이상의 시 <오감도>는 다음과 같이 시작한다.

"13인의 아해(兒孩)가 도로로 질주하오. (길은 막다른 골목이 적당하오.)
13인의 아해는 무서운 아해와 무서워하는 아해와 그렇게 뿐이 모였소.

(다른 사정은 없는 것이 차라리 나았소.)
13인의 아해가 도로로 질주하지 아니하여도 좋소."

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이 시는 불가해하면서도 정교한 언어로 종래의 시적 관습을 깨뜨리며, 문법과 띄어쓰기, 단락의 개념을 무시한 독창적인 방식으로 구성된 작품이다. 그러나 자세히 들여다보면, <오감도>는 단순한 형식의 파괴가 아닌, 전통적 문학 기법을 유지하면서도 시각적·해석적 전환을 이루어낸다. 이는 기법 자체보다 시각의 변화를 통해 새로운 감상법을 제시하며, 독자로 하여금 시의 의미를 다시금 탐색하게 만든다.

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본 전시는 이러한 <오감도>의 본질을 반영하여 한국 예술의 역동성과 역사, 그리고 끊임없이 새로운 시각을 제시하며 발전해 온 한국 미술의 정체성을 보여주는 기획으로 구성되었다. 이와 같은 전시의 기획 의도를 충실히 반영하기 위해, 공간 디자인 역시 작품 그 자체를 온전히 드러내는 방향으로 진행되었다. 불필요한 장식을 배제하고, 공간을 절제된 형태로 구성함으로써 작품이 스스로 존재감을 드러낼 수 있도록 하였다.

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전시는 "새로운 전통", "도시의 몽타주", "문화의 재구성", "일상다반사", "심안의 풍경"이라는 다섯 개의 테마로 나누어 구성되었으며, 132㎡와 89㎡ 규모의 두 전시 공간에 14명의 작가 작품이 배치되었다. 다양한 장르의 작품이 한 공간에서 조화를 이루면서도 관람객의 동선을 방해하지 않도록 공간을 세심하게 설계하는 것이 가장 중요한 과제였다.

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제한된 공간 속에서도 전시를 통해 점층적인 역동성을 느낄 수 있도록, 한국 미술의 역사와 정체성, 그리고 미래를 담아내는 공간적 구성을 고민하였다. 이에 따라 전시의 초반에는 한국적 미감을 담고 있는 평면 작품들을 배치하여 차분하고 깊이 있는 분위기를 조성하였으며, 전시 후반부로 갈수록 대규모 설치 작품을 활용하여 더욱 웅장하고 개방적인 공간감을 연출하였다. 이를 통해, 한국 미술이 지닌 개념적 스펙트럼이 점차 확장되는 과정이 공간적으로도 자연스럽게 표현되었다.

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본 전시는 <오감도>가 시각과 의미의 전환을 유도하며 독자의 사고를 확장하듯, 관람객들이 한국 미술의 다양한 층위를 경험하고 그 속에서 새로운 해석을 이끌어낼 수 있도록 구성되었다. 형식의 틀을 벗어나 자유롭게 유영하는 시의 본질을 공간 안에서 구현하며, 한국 예술의 본질적인 질문 "우리는 어디에서 왔고, 어디로 나아가는가"를 다시금 환기하는 공간이 되기를 의도하였다.

 

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Yi Sang’s <Crow’s Eye View> (Ogammudo) opens with the unsettling lines:

"Thirteen children are running down a road. (A dead-end road is acceptable.)
The thirteen children are both terrifying and terrified.

(Other circumstances are better left unspoken.)
It doesn’t matter if the thirteen children do not run down the road."

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This poem, with its enigmatic yet intricate composition, disrupts conventional poetic structures by disregarding grammar, spacing, and segmentation. However, rather than a mere rejection of form, Crow’s Eye View adheres to classical literary principles while fundamentally transforming perspective. It is not simply a shift in technique but a radical reframing of how poetry is perceived, demanding a new mode of engagement from its readers.

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This exhibition, inspired by the essence of Crow’s Eye View, explores the dynamism of Korean art, its historical trajectory, and its continual reinvention through evolving perspectives. In alignment with the exhibition’s curatorial vision, the spatial design refrained from elaborate embellishments, instead prioritizing an understated approach that allowed each artwork to assert its own presence.

 

The exhibition was structured around five thematic sections: "New Traditions," "Montage of the City," "Cultural Reconstruction," "Everyday Affairs," and "Inner Landscapes." Spanning two gallery spaces measuring 132㎡ and 89㎡, the exhibition featured works by 14 artists. The primary challenge was to ensure a seamless dialogue between diverse artistic disciplines while maintaining an organic and engaging visitor experience.

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Despite the spatial constraints, the design aimed to cultivate a sense of progressive dynamism, encapsulating Korean art’s historical evolution, contemporary identity, and future trajectory. The initial section of the exhibition was anchored by two-dimensional works rich in Korean aesthetics, establishing a contemplative atmosphere. As visitors progressed through the space, the exhibition expanded into larger-scale installations, culminating in immersive, monumental compositions. This gradual transition mirrored the conceptual broadening of Koreanness, illustrating its fluidity and expansive nature.

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Just as Crow’s Eye View challenges conventional perception and invites readers to explore meaning beyond structured form, this exhibition was designed to encourage visitors to navigate the layered dimensions of Korean art. By embracing the poetic fluidity of Yi Sang’s work, the spatial composition became an extension of the poem’s ethos—disruptive yet precise, ambiguous yet profoundly resonant.

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The exhibition did not merely showcase artworks; it invited contemplation on the fundamental inquiry of Korean artistic identity—"Where have we come from, and where are we headed?" Through its meticulously crafted balance of space, form, and meaning, this exhibition reaffirmed the capacity of Korean art to transcend technique and redefine itself through perspective.

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PROJECT INFO

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Project title: OGAMDO, Exhibition Display

Location: Madrid, Spain

Year: 2022

Design Studio: MEEINTERNATIONAL (www.meeint.com)